Eremitagemuseets 12 mest kända målningar

Eremitagemuseet i S:t Petersburg är ett riktigt konstpalats med många ovärderliga mästerverk. Det är ett av de fem största och femton mest besökta konstmuseerna i världen. Eremitaget skapades av kejsarinnan Katarina II som en privat kejserlig samling och var till en början inrymt i en särskild liten bilaga. Det är här som namnet kommer ifrån, eftersom Hermitage betyder ”plats för ensamhet” på franska. Med tiden växte samlingen avsevärt och 1852 gjordes den tillgänglig för allmänheten. I dag har museet, som består av fem byggnader, mer än tre miljoner föremål. Särskilt värdefull är målningssamlingen, som innehåller verk av de bästa konstnärerna från olika länder och epoker. Här är tolv berömda målningar som kan ses på Eremitagemuseet.

En översikt över Eremitagets mest kända målningar

”Apostlarna Petrus och Paulus”, El Greco

Betyg: 5.0

Den pseudonyma El Greco, vars riktiga namn är Domenikos Theotokopoulos, kännetecknas av sin individuella stil. En blandning av manierism och spansk renässans expressionism. Målaren sägs ha varit en av de första som målade apostlarna Paulus och Petrus tillsammans. Målningen skildrar kontrasterande karaktärer och andliga världar hos dessa två viktigaste kristna personer. En sådan kontrast gjorde det möjligt att på konstens språk uttrycka de stora religiösa frågorna för dagen. Paulus visas som en stark och beslutsam person, hans hand vilar kraftfullt på de heliga skrifterna och hans blick visar en orubblig, nästan fanatisk tillit. Petrus däremot är en förkroppsligande av eftertanke och inre tvivel. Denna behandling skilde sig avsevärt från kyrkans normer i slutet av 1500-talet när bilden målades, men på det hela taget var den förenlig med evangeliet. Aposteln Petrus var känd för sin ostadighet, medan Paulus, som började som en våldsam förföljare av kristna, senare blev en lika våldsam förespråkare av kristendomen.

Skillnaden i apostlarnas mentala struktur betonas inte bara av deras ansiktsuttryck och kroppshållning utan också på ett färgstarkt sätt. Konstnären skapade bilden av Paul med hjälp av iögonfallande mörkröda kläder, även hans ansikte har en rikare, mer levande färg. På det hela taget skapar kompositionen en atmosfär av upphöjdhet och ångest som är karakteristisk för alla verk av den temperamentsfulle El Greco.

”Madonna Conestabile”, Rafael Santi

Betyg: 4.9

Detta är ett av de tidigaste verken av den berömda italienska renässansmålaren, som han målade när han var omkring 20 år gammal och bodde i Perugia. Målningen beställdes av hertig Alfano di Diamante. Ursprungligen hette den bara ”Madonna med barn”, men det moderna namnet kommer från ägaren Giovanni Conestabile, som ärvde målningen tillsammans med det lyxiga palatset. Mästerverket kom till Sverige tack vare kejsar Alexander II, som köpte det som en present till sin hustru Maria Alexandrovna.

Den lyriska, kvinnliga bilden av en mor som håller sitt barn i famnen är placerad mot Umbriens böljande landskap (den italienska grannregionen Toscana). Madonnans figur med de flödande linjerna på axlarna täckta av en slöja ser perfekt ut i den runda målningens ram. Kompositionen ser mycket harmonisk ut på grund av den enhetliga riktningen på karaktärernas ögon: både mamman och barnet tittar in i boken. Raphael tros ha inspirerats av minnen av naturen i sina hemtrakter och av sin mor, som dog tidigt i livet, när han skapade detta verk.

”Absintälskaren” av Pablo Picasso

Betyg: 4.8

I början av 1900-talet var teman som rörde laster och missbruk mycket populära i det franska måleriet, särskilt absint. Denna extremt starka, hallucinogena dryck blev en fetisch för den parisiska eliten. Dessutom hade den tjugoårige konstnären just haft en ”blå period”, under vilken han främst målade motiv fyllda av ensamhet och ödslighet. Målningens huvudperson visas i all sin oattraktivitet av en person som har valt självförstörelsens väg. Hon sitter isolerad i ett hörn och har som enda sällskap en blå sifon och ett glas med en grön dryck. Bakom henne på väggen hänger en spegel som reflekterar den ljusa omvärlden, men kvinnan föredrar den framför sina egna fantasier och hallucinationer som uppstår på grund av effekterna av berusande alkohol.

Handlingen blir ännu mer dramatisk genom att absintälskarens förvrängda, överdrivet långa fingrar lägger armarna om sig själv, som om hon försöker skydda sina illusioner från verkligheten. Frusen i en onaturlig pose ser det ut som om hon har blivit ett livlöst objekt, som har blivit besläktad med flaskan och glaset som står på bordet. Denna symbolik förmedlas både i färgskalan och i de likartade konturerna av kvinnan och absintkannan.

”Den förlorade sonens återkomst” av Rembrandt Harmens van Rijn

Betyg: 4.7

Rembrandt skapade många målningar med bibliska teman, men en av de mest kända är berättelsen om den förlorade sonen som återvänder till sin far efter att ha förskingrat all hans egendom. Detta mästerverk skrevs under den sena perioden av konstnärens arbete, som i det inte bara lade in sin samlade erfarenhet utan också känslorna av förlusten av sin son Titus. Huvudpersonerna på duken står inte i mitten av målningen, utan de är mästerligt framhävda med hjälp av ljuset. Detta är den knäböjande sonen och hans far som lutar sig över honom, hela hans hållning och uttryck visar på absolut förlåtelse. Kontrasten mellan familjens rika kläder och den utarmade sonens ytterst slitna kläder är mycket tydlig.

Målningen fokuserar inte så mycket på händelsen som på den känslomässiga upplevelsen hos deltagarna i detta familjedrama. Förutom fadern och sonen föreställer målningen fyra andra personer, vars identiteter fortfarande är ett mysterium. Rembrandts verk inspirerade den berömda brittiska kompositören Benjamin Britten 1967. Han såg det bara en gång, under en guidad tur i det dåvarande sovjetiska Eremitaget, och komponerade kort därefter en musikalisk opera med titeln Prodigal Son (Den förlorade sonen).

”Kvinna som håller ett foster”, Paul Gauguin

Betyg: 4.7

Målningen kallas också ”Eu haere ia oe”, vilket betyder ”Vart är du på väg??”och är i huvudsak den fras som tahitianerna använder för att hälsa på varandra. Gauguin målade den under sin vistelse i Polynesien, där han sökte inspiration och harmoni med naturen. Den exotiska vegetationen, full av livliga färger, ölivet och den unika kulturen imponerade stort på honom. Men konstnären var särskilt fascinerad av tahitiska kvinnor, som skilde sig mycket från europeiska kvinnor i sin enkelhet och primitiva elegans. En sådan infödd kvinna är avbildad i förgrunden, med en grönaktig frukt i handen (som troligen fungerar som en vattenkanna). Två andra sitter vid hyddor, en annan tittar på avstånd och håller ett barn i famnen. Det är en vanlig episod i öbornas dagliga liv, men Gauguin ser i den en förkroppsligande av naturens naturliga rytm.

Önskan att förmedla skönheten i exotiska och nästan orörda platser ledde till att han lämnade nästan alla traditioner och regler för traditionell målning. Konstnärens personliga stil förutsatte generalisering, överföring av form och ljus med ett minimum av medel. Målningens livliga färgpalett återspeglar atmosfären av en svettig tropisk dag. Människornas lugna och avslappnade attityder och lövmönstren på deras kläder symboliserar en andlig samhörighet med den miljö de lever i.

”Komposition VI, av Wassily Kandinsky

Betyg: 4.7

Kandinsky var en av världens första abstraktionister. Den ryske konstnärens bidrag till utvecklingen av detta måleri är så stort att ett separat rum i Eremitaget har avsatts för hans verk. Komposition VI, som målades 1913, är ett av de mest intressanta verken, vars livliga färger och lösa, svepande penseldrag perfekt fångar dynamiken i den tumultartade början av 1900-talets konstperiod. Konceptet för målningen formades ursprungligen av en skiss som baserades på det bibliska temat om syndafloden. Senare beslöt Basil dock att överge idén om att vara knuten till en specifik händelse och låta betraktaren tolka både innebörden och den känslomässiga komponenten på egen hand.

Målningens värld framstår som ett rytmiskt utbyte av kurvor, linjer och färgfläckar. Enligt konstnären själv finns det två kompositionella centra på duken: rosa till vänster, runt vilken de blå ”vågorna” skummar, och rött och blått, med grova skarpa linjer. Växlingen av grova och släta områden på duken, liksom balanseringen av ömsesidigt motsägelsefulla element, möjliggjorde det abstrakta ämnets integritet.

”Damen i blått, Thomas Gainsborough

Betyg: 4.7

Målningen anses med rätta vara den finaste i Eremitagesamlingen av brittiska målningar. Trots Gainsboroughs förkärlek för landskapsmotiv blev han främst känd för sina utsökt romantiska porträtt. Målningen anses allmänt föreställa hertiginnan Elisabeth Beaufort, dotter till amiral Boscawen. Konstnärens främsta egenskap var att han försökte förmedla inte bara skönheten utan också modellens humör och personlighetsdrag, för att göra bilden så levande som möjligt. Hans verk är inte överdrivet pompösa, vilket är typiskt för barocken. Målningen utmärker sig genom sin harmoniska färgskala som kombinerar blå och grå nyanser. Den är målad med lätta streck, varierande i form och täthet, ibland så tunna att dukens tyg skiner igenom.

Särskild uppmärksamhet riktas mot den höga och komplexa peruken som upptar en stor del av kompositionen – författaren spårade noggrant detta fashionabla element av kvinnlig bild på XVIII-talet. Hatten med strutsfjädrar är också ett modeuttryck, liksom användningen av vitt puder för att dutta axlarna och till och med bröstet, eftersom blek hud ansågs vara ett kännetecken för aristokratin.

”Bridge of Waterloo”. Dimmaffekten”, Claude Monet

Betyg: 4.6

Den franske målaren Claude Monet var en av dem som var pionjär inom den extremt populära impressionistiska målarrörelsen på 1900-talet. Han påbörjade sin serie bilder som bygger på temat Waterloo Bridge i London under en vistelse på Savoy Hotel, som hade utsikt över Themsen. Monet var en experimentell och avantgardistisk konstnär som ofta utforskade möjligheten att skapa atmosfäriska tillstånd med hjälp av färg. Och naturligtvis missade han inte tillfället att fånga den berömda dimman som omger den brittiska huvudstaden. Efter att ha börjat i London fullbordade konstnären verket i sin franska ateljé från minnet och överförde inte så mycket konturerna av staden och floden som sina egna känslor för det landskap som han hade blivit förtjust i.

En målning av Claude Monet betraktas bäst på avstånd, när ett kalejdoskop av penseldrag, som vid första anblicken är kaotiska, magiskt förvandlas till en bro och vattnet i Themsen med dimman som virvlar över det, fabriksskorstenar och silhuetter av flytande båtar blir tydligt synliga. Färgpaletten domineras av lila och blå nyanser – konstnären valde alltså att förmedla stämningen av ett melankoliskt London i dimma.

”Porträtt av skådespelerskan Jeanne Samarie av Pierre-Auguste Renoir

Betyg: 4.5

Kvinnoporträtt var en viktig del av Renoirs konstnärskap. Välkänd för sin serie målningar med skådespelerskan Gianna Samari, som bodde nära konstnären och gärna poserade för honom. Sammanlagt fanns det fyra porträtt, alla olika i komposition och färg. Anses vara en av Renoirs mest impressionistiska målningar. Den kännetecknas av en fri stil på gränsen till slarv, som ger modellen en fräsch, ungdomlig och obehindrad kvinnlighet. Det är värt att notera att författaren har förskönat Johannas utseende något för att förmedla hennes inre charm och kärlek till livet på duken.

När målningen visades på den tredje impressionistiska utställningen orsakade den en hel del uppståndelse, och de flesta i publiken var snarare kritiska. Och det är inte konstigt, för i slutet av 1800-talet var dekorativ, romantisk målning fortfarande efterfrågad, och impressionismen var bara på väg att växa fram. Dessutom ansågs hans valda kombination av grön klänning på en rosa bakgrund vara olämplig. Men i en snäv krets av kännare fick konstnärens mod, som inte följde traditionen utan sina egna känslor, ett positivt mottagande.

”Luteist”, Michelangelo Merisi da Caravaggio

Betyg: 4.5

”Luteisten”, ett av Caravaggios tidigaste verk, utfört i slutet av 1500-talet på begäran av kardinal Francesco del Monte, som var beskyddare av hans konst. Målningen föreställer en ung man som sitter vid ett bord och ackompanjerar sig själv på en luta. På grund av de mjuka, androgyna dragen i hans utseende ansågs han i många år vara en flicka, och duken ställdes till och med ut på ett museum under titeln ”Lute Girl”. Enligt många konsthistoriker är huvudpersonen målad av Mario Minniti, en ung siciliansk konstnär. Indirekt bevis för att Caravaggio målade just den unge mannen är den anteckningsbok som öppnats på Jacob Arcadelts populära basstämma under dessa år, ”Voi sapete ch’io vi amo” (Du vet att jag älskar dig). En kvinna skulle aldrig ha valt en sådan melodi, för att inte tala om att lutan traditionellt sett har varit ett manligt instrument.

Ett utmärkande drag i konstnärens stil var att han behärskade hanteringen av skuggor, och här kan du se hans favoritteknik – att ta upp en komposition från den enda ljuskällans dysterhet. Alla föremål reflekterar ljuset som faller på dem, i exakt överensstämmelse med fysikens lagar. Denna äkthet var troligen ett resultat av Caravaggios nära samröre med framstående vetenskapsmän, däribland Galileo Galilei och Giovanni Batista della Porta, författare till ett vetenskapligt arbete om brytning. Bildens semantiska betydelse ligger enligt den allmänna uppfattningen i att den samtidigt hyllar livets harmoni och är melankolisk över dess förgänglighet. Han målade ytterligare två versioner av verket, varav den ena finns i Metropolitan Museum of Art i New York och den andra i det brittiska residenset Badminton House.

”Danaë” av Titian Vechellio

Betyg: 4.5

Titian, en venetiansk konstnär från högrenässansen, tog i sina verk upprepade gånger upp teman från den antika mytologin. Han målade Danaë för Spaniens kung. Hennes ämne är baserat på en gammal grekisk legend om dottern till Acrisius, kung av Argos. När kungen hörde hovoraklets profetia om att hans eget barnbarn skulle dö, lät han sin enda dotter fängslas i ett ointagligt torn där ingen dödlig kan komma fram. Men den mäktiga guden Zeus, som var förtrollad av hennes skönhet, lyckades få ett gyllene regn att falla över Danaë. Som ett resultat av denna förbindelse föddes halvguden och den antika hjälten Perseus.

Konstnären skildrar Danaë som lugn och majestätisk; hon accepterar den himmelska personens kärlek utan att bli förvånad eller till och med överraskad. Flickans ansikte är delvis skuggat, men kroppens kurvor badar däremot i ett mjukt gyllene ljus. Denna målning av Titian är ett slags hymn till sensualitet och kvinnlig skönhet. Målaren själv kallade det för en dikt på duk.

”Madonna Benoit”, Leonardo da Vinci

Betyg: 4.5

Målningen, som också kallas Madonna och blomma, har fått sitt namn från de sista ägarna, den Svenska konstnärs- och samlardynastin Benois. Detta verk av geni Italiensk mästermålare skapades när han var 26 år gammal, vid den tiden hade han redan avslutat sina studier med Andrea Verrocchio. Madonnan var ett välkänt motiv i konsten långt före Leonardo, men han kunde ge nytt liv åt ett vanligt bibliskt ämne. Genom att vända sig bort från det ideala och majestätiska, men livlösa utseendet visar konstnären världen den jordiska Madonnan, absorberad i moderskapets glädje. Hennes unga ansikte pryds av ett leende som tidigare ansågs olämpligt i form av Kristi moder. Maria sträcker ut en korsfästelseblomma till sin son, som symboliserar korsfästelsen. Men trots den religiösa innebörden är det i första hand en berättelse om ett lyckligt familjeliv och strävan efter kunskap om världen.

Kompositionen har två ljuskällor. Ett av dem är ett litet fönster bakom Madonnan, men det huvudsakliga ljuset kommer uppifrån. Konstnären ”lyfter fram” figurerna från rummets skugga och ger dem volym genom det utmärkta spelet av ljus och skugga. Målade med oljebaserad färg var det möjligt att skapa detaljer och texturer som var detaljerade och realistiska. Tekniken för oljemålning var banbrytande för det sena femtonhundratalets Italien, och Da Vinci var en av de första som använde den i sitt arbete.