10 Leonardo da Vincis mest kända målningar

Leonardo da Vinci var ett geni som lyckades inom många olika områden – han var en begåvad uppfinnare, vetenskapsman, arkitekt, skulptör och författare. Men denna lysande representant för den italienska renässansen nådde de största höjderna inom målarkonsten. Även om antalet bevarade målningar är litet, är hans kvalitativa bidrag till världskulturen som konstnär enormt. Med sin mästerliga förståelse av mänsklig anatomi och sin mästerliga återgivning av ljus på duk var Da Vincis verk ett stort steg mot realism. Hans arbete hade ett direkt inflytande på den senare utvecklingen av måleriet både i Europa och långt utanför Europa. Här är tio av Da Vincis mest kända mästerverk.

En översikt över Leonardo da Vincis mest kända målningar

Nominering	sätet	Arbetet	betygsättning
En översikt över Leonardo da Vincis mest kända målningar	10	De tre konungarnas tillbedjan	4.5
9	Madonna Litta	4.5
8	Förkunnelsen	4.5
7	Madonna och nejlika	4.6
6	Saint Anne med Madonna och Kristusbarn	4.7
5	Porträtt av Ginevra de Benchi	4.7
4	Johannes Döparen	4.7
3	Dam med hermelin	4.8
2	Madonna i klipporna	4.9
1	Mona Lisa	5.0

De tre konungarnas tillbedjan

Betyg: 4.5

Detta tidiga verk målades 1480 på begäran av augustinermunkarna i klostret San Donato, nära Scopeto, nära Florens. Den skulle pryda klostrets huvudaltare, men förblev oavslutad på grund av konstnärens avresa till Milano. Den här målningen visar en välkänd scen från evangeliet: tre vise män som följdes av en ledstjärna kom till Betlehem för att ge gåvor till den nyfödde Kristus. På duken finns också pilgrimer som omger Maria och barnet och ryttare i bakgrunden.

Kompositionen av verket ser mycket harmonisk ut, med dess centrala del omsluten av en triangel, vars spets är huvudet på Jesu mor. Hon skiljer sig från de övriga karaktärerna med sitt fridfulla uppträdande. För att understryka huvudfiguren vidgar Da Vinci perspektivet något för att göra Madonnan och barnet lite större. Den unga mannen till höger är enligt konsthistoriker författaren själv i unga år (vid tiden för målningen var han omkring 30 år).

Madonna Litta

Betyg: 4.5

Målningen har sitt moderna namn från familjen Litta i Milano, vars privata samling den fanns i flera århundraden. Da Vinci målade den ursprungligen för Milanos härskare. Bilden av en kvinna som håller ett spädbarn i famnen var ett mycket populärt motiv i målningar från slutet av 1400-talet och början av 1500-talet. Madonna Litta utmärker sig bland den berömda målarens verk för sin formharmoni, kompositionens symmetri och balansen mellan ljus och skugga.

Målningen är ett mycket känslomässigt verk som innehåller en underförstådd men begriplig mening för den uppmärksamme betraktaren. Att döma av trådresterna på kvinnans kläder var de speciella amningsskärningar som var vanliga vid den här tiden redan skyddade, dvs. barnet var i avvänjningsstadiet. Men eftersom hon uppenbarligen inte kunde stå ut med barnets ömkliga skrik, slet mamman hastigt upp stygnen och gav honom mat. I barnets vänstra hand syns en fågel med kinder – da Vinci var känd för att älska fåglar och i sin konst symboliserade de den mänskliga själen.

Annonsering

Betyg: 4.5

Målningen skapades av den unge Leonardo da Vinci i den ateljé där han studerade för målaren Andrea del Verocchio. Målningen är baserad på evangeliets berättelse om ärkeängeln Gabriels uppenbarelse för jungfru Maria, som meddelar att hon har blivit utvald att bli Kristi moder. Den himmelska budbäraren håller en vit lilja i sin vänstra hand som symboliserar Marias renhet. I bakgrunden finns ett vidsträckt landskap med en rad träd, berg och en flod i fjärran, på vilken fartyg seglar. Detta beslut, som står i kontrast till den traditionella inomhusskildringen av denna bibliska händelse, bidrog till att förstärka intrycket och understryka högtidligheten i ögonblicket.

Även om det hör till da Vincis tidiga verk, framhäver det da Vincis individualitet och medfödda talang. Han var en av de första konstnärerna i sin tid som ägnade sådan uppmärksamhet åt bakgrundslandskapet, och ingen annan före honom kunde så noggrant och realistiskt följa veckningarna i draperierna.

Madonna och nejlika

Betyg: 4.6

Da Vinci målade detta verk vid en tidpunkt då han redan hade blivit en självständig konstnär och ägare till sin egen ateljé, vilket dokumenteras i florentinska dokument. Enligt Giorgio Vasaris anteckningar, en samtida målare och författare till Leonardo, var ”Madonnan med nejlika” avsedd för påven Clemens VII.

Målningen visar kontrasten mellan den lugna, andliga mamman och det spontana, energiska barnet som kämpar för att nå växten i hennes hand. Den röda nejlikan, som så tilldragit sig barnets uppmärksamhet, fyller scenen med dramatik, eftersom den inom ramen för den tidens religiösa symbolik representerade Herrens framtida lidande. Färgskalan på Madonnas kläder harmonierar med bergslandskapet i bakgrunden och användningen av sphumatotekniken skapar ett intryck av distansering i hennes ansikte.

Saint Anne med Madonna och barnet Kristus

Betyg: 4.7

Beställd av den florentinska kyrkan Santissima Annunziata för den övre altartavlan. Den ikonografiska stil som används här, kallad ”Anna-tre” och som föreställer Jungfru Maria med sin mor Anna och den lille Kristus, kom till Italien från norra Europa, där traditionen av vördnad av den heliga Anna utvecklades. Det är svårt att inte lägga märke till den originalitet med vilken Leonardo har arrangerat de tre karaktärerna i berättelsen: Maria sitter i Annes knä och hon håller på att ta tag i sin son som försöker sadla ett lamm. I denna målning avvek konstnären avsevärt från sina föregångares traditioner. Eftersom han inte gillade åldern och dess medföljande vissnande, skildras Kristi mormor som en vacker, ungdomlig kvinna vars ålder knappt är märkbar. Dessutom finns det ingen religiös högtidlighet här, utan situationen visas intimt och till och med med ett visst mått av humor.

Den centrala gruppen är visuellt inskriven i pyramiden för att skapa en känsla av enhet i kompositionen. Hon framhävs också av ljus- och färgkontrasterna. De leende ansiktena är avgränsade av det lätta sfumato som är karakteristiskt för Da Vincis stil. Figurerna befinner sig i en upphöjd position i förhållande till betraktaren, vilket understryker deras selektivitet och deras hängivenhet till ett högre syfte.

Porträtt av Ginevra de Benci

Betyg: 4.7

En av Leonardos tidigaste målningar, troligen beställd av den venetianske statsmannen Bernardo Bembo. Den skildrar poetinnan Ginevra d’Amerigo de Benchi, Bernardos platoniska kärlek. Vid denna tid var konstnären fortfarande påverkad av sin lärare Verrocchio och av den populära holländska målarskolan, vilket återspeglas i de hårda linjerna, den orealistiskt släta och marmorliknande bleka huden och den begränsade färgskalan. Flickans ansikte står i stark kontrast till enbusken i bakgrunden. Intressant nog är det italienska ordet för enbär (ginepro) konsonant med hennes namn. Ett atypiskt renässansporträtt av en kvinna utomhus, det var vanligt att man vid den tiden målade kvinnor inomhus.

Experter som först såg bilden, tvivlade först på att den skulle kunna tillskrivas, eftersom Da Vinci nästan alltid lade stor vikt vid händerna, här fanns en bröstbild. Det visade sig dock senare att den hade beskurits (troligen var botten skadad). Detta bevisas både av den skiss av en kvinnas händer som hittats i anslutning till porträttet och av den krans som målats på baksidan av duken, med ett tydligt saknat fragment.

Johannes Döparen

Betyg: 4.7

Målningen ”Johannes Döparen” är ett av da Vincis sena mästerverk. Det skiljer sig från andra verk av konstnären, som älskade att omge bibliska karaktärer med rika naturlandskap. Men den fasta mörka bakgrunden är mycket uttrycksfull för Johannesfiguren, som förresten inte motsvarar den allmänt accepterade kanon. Istället för den asketiska, äldre eller medelålders mannen med ett strängt uttryck ser vi här en feminin ungdom med ett mjukt, gåtfullt, Jocondesliknande leende och välvårdade hårlockar som faller ner till axlarna.

Ändå finns alla nödvändiga attribut för Johannes med: den ulliga manteln, det tunna rörkorset, pekfingret som pekar mot himlen. Salaio, som då var elev till Leonardo, stod som modell. Dess stil tyder på att målaren var en av initiativtagarna till manérismen, som senare blev mycket populär i den västeuropeiska konsten.

Dam med hermelin

Betyg: 4.8

Indirekta historiska bevis tyder på att detta är ett porträtt av Cecilia Gallerani, älskare till hertigen av Milano, som var en av Da Vincis mecenater. Flickan är klädd i en för den tiden ganska enkel klänning, hon bär en genomskinlig mössa på huvudet och pannan pryds av en fin poncho. Till skillnad från de flesta porträttmålare på 1400-talet föredrog Leonardo att måla människor inte strikt i profil eller med hela ansiktet, utan med en lätt halvvändning av kroppen, med huvudet vänt åt andra hållet, vilket ger liv åt figuren och framhäver axlarnas och nackens linjer. Den här ger också den kvinnliga formen en mystisk prägel.

Cecilia håller en vit hermelin i sina armar. Eftersom katter inte var särskilt vanliga bland den italienska aristokratin vid den här tiden var det många som höll sådana exotiska djur som husdjur. Med tanke på konstnärens förkärlek för symbolik är hermelinen förmodligen inte avbildad här för ingenting. Grekiskt för ”storm”, en synonym till Gallerani. Hermelinen är också känd som en symbol för renhet (i fråga om moral vid hovet kunde en dam vara en favorit hos en mäktig adelsman och ändå vara formellt obefläckad, till skillnad från kurtisaner).

Madonna på klipporna

Betyg: 4.9

Madonna i klipporna målades för att placeras ovanför altaret i San Francesco Grande-kapellet i Milano. Handlingen motsvarar det apokryfiska Jakobsevangeliet, som berättar om mötet mellan Maria och Kristus och Johannes Döparen, vars mor gömde honom i öknen när Herodes utrotade barnen i Betlehem. Han har mästerligt lyckats binda samman sina karaktärer i en enda komposition genom gester och poser. Stengrottan tjänar som bakgrund, vilket skapar en mystisk och mystisk atmosfär och ger ett eko av den traditionella krubban i grottan.

De fyra figurerna på duken är harmoniskt arrangerade i en pyramid, deras konturer mjukas upp av ett subtilt samspel mellan ljus och skugga. Båda är typiska för Da Vinci. Han använde också skuggor för att vackert återge djup och volym. Denna målning finns i två versioner. Den första av dessa målningar accepterades inte av munkarna eftersom den inte överensstämde med de kyrkliga normerna (avsaknaden av nimbus, kors och vissa andra detaljer), och därför lät Leonardo sina elever måla en andra målning, men han själv deltog bara i liten utsträckning i processen.

Mona Lisa

Betyg: 5.0

”Porträttet av madonnan Lisa del Giocondo anses vara höjdpunkten i Leonardo da Vincis hela konstnärskap och det finaste exemplet på italiensk renässansmålning. Dessutom är målningen för närvarande en av de mest kända och igenkännbara i världen. Konsthistoriker har kommit fram till att den föreställer Lisa gerardini, hustru till en sidenhandlare från Florens. Enligt samtida personer intog denna målning en speciell plats i Leonardos liv: vanligtvis motvilligt inställd till att arbeta på beställning, gav konstnären ”Mona Lisa” praktiskt taget all sin tid, även när han var upptagen med att arbeta på andra verk. Han strävade efter perfektion, och tog sin erfarenhet och medfödda talang till fulländning.

Målningens komposition och färgsättning anses vara exemplarisk och den använder sig också på bästa sätt av den unika sfumatotekniken, som fyller duken med diffust ljus och får kvinnans ansikte att verka nästan levande. ”Giocondas” ovanliga, nästan hemsökande blick och hennes lätta, gåtfulla leende har väckt uppmärksamhet inte bara hos konsthistoriker utan också hos psykoanalytiker. Sigmund Freud kallade den för förkroppsligandet av tvång och förförelse, kärlek och hot på samma gång. Den intellektuella andligheten i ansiktet i porträttet ramas in av det fantastiska bergslandskapet i fjärran.