12 av Claude Monets bästa målningar

Claude Monet var en naturkännare och känd för att ha skapat ett nytt och mycket populärt medium – impressionismen – och anses idag av kritiker som en symbol för sin tid. Vem skulle ha trott att den lille karikatyrtecknaren senare skulle skapa ett antal fantastiska målningar med en unik, otroligt livlig färgskala som vid tiden för hans mörker gav upphov till rykten om att han var galen?. Några av de bästa målningarna av den store mästaren hör till hans mest kända skapelser.

Spår av den store impressionisten: de 12 främsta mästerverken av det franska geniet Claude Monet

Nominering	plats	Arbetet	betygsättning
En titt på några av Claude Monets bästa målningar	1	”San Giorgio Maggiore i skymningen”, 1908-1912	5.0
2	”Dam i grön klänning (Camille), 1866	4.9
3	”Promenera. Dam med paraply, 1875	4.9
4	Serien Haystacks, 1890-1891	4.8
5	Serien om katedralen i Rouen, 1892-1893	4.7
6	Serien ”Vattenliljorna”, 1896-1926	4.7
7	Serien om St. Lazare Station, 1872-1877	4.6
8	”Damerna i trädgården”, 1866	4.5
9	”Intryck. Stigande sol, 1872	4.5
10	”Frukost på gräset, 1866	4.5
11	”Parlamentsbyggnaden i solnedgången”, 1900-1901	4.5
12	”Waterloo Bridge i mulet väder”, 1904	4.4

”San Giorgio Maggiore i skymningen”, 1908-1912

Betyg: 5.0

En av de mest kända och betydelsefulla målningarna i den store impressionistens verk. De dominerande tonerna i motivet är orange – det är dessa nyanser som konstnären förknippar den italienska stadens nedgång med. En venetiansk katedral och naturligtvis vatten sticker ut i den färgglada bakgrunden.

Mästaren själv noterade att målningen av staden i skymningen gjordes på ett för honom okonventionellt sätt: idén till duken var så spektakulärt vacker och förtrollande att konstnären arbetade frenetiskt och bokstavligen gick i hälarna på solen som rörde sig mot solnedgången och dess vattenbländning. Monet använde dramatiska färgkontraster i sina verk, vilket gav målningen större djup och livlighet.

Eftersom idén var inspirerad av det nära ögonblicket tillämpade Monet en teknik med korta streck och snabb utfyllnad av duken med klister. Så här lyckades han omedelbart fånga färgögonblicket och återge ljusspelet på ett exakt sätt. Författarens huvudsyfte med sina verk var inte att förmedla ett moraliskt budskap eller en djup mening till betraktaren, utan att skapa ett sinnligt intryck, väcka behagliga känslor och intryck – det är inte för inte som Monet var en av impressionismens mest lysande representanter.

”Dam i grön klänning (Camille), 1866

Betyg: 4.9

Det här porträttet visar den store impressionisten Camille Donciers hustru vid en tidpunkt då hon ännu inte var hans hustru eller ens hans brud. Claude och Camille hade precis träffats, och efter ett sådant möte bestämde sig Monet för att fånga den livliga känslan som uppstår mellan unga människor på duk. I ”Kvinnan i den gröna klänningen” fångade målaren det skälvande ögonblicket när flickan, som stod nästan vid utgången, vände sig om.

Monet koncentrerade all sin skicklighet på Camille själv och beskrev noggrant hennes ansikte, hennes nackens kurva, hennes uttryck och till och med hennes handrörelse. Målningen är inte luftig eller överjordisk: konstnären försökte visa flickan levande. Monet behövde inget referensideal: klänningen ser tung ut, den tycks släpa oroligt över golvet – vilket tyder på att den är gjord av tungt tyg.

Monet målade vad han såg och älskade av hela sitt hjärta (trots deras korta bekantskap lyckades konstnären älska flickan passionerat och glödande), utan utsmyckningar och komplikationer som bara skulle förolämpa Camille. Det är en otroligt levande och djupgående bild som visar passionen och oron hos en ung förälskad man.

”Promenaden. Dam med paraply, 1875

Betyg: 4.9

Det anses vara början på en cykel, vars första och viktigaste målning gjordes 1875. Porträttmodellen var konstnärens första hustru Camilla. Anses vara 1870-talets främsta verk. Den visar Camille och hennes son i Colombe och Genivier.

Madame Monet står halvt i sidled, som om hon plötsligt hade upptäckt betraktaren. Hennes klänning blåser i vinden. Figuren är något förskjuten till höger, vilket kompenseras av det lutande parasollet, i vars kupol den ljusa ängsgröna grönskan reflekteras. Lite längre bort, endast synlig i midjehöjd, står Monets son, som verkar titta uppmärksamt på betraktaren.

Tavlan skapades i livet, troligen i ett enda sammanträde. Medan målningen pågick tog en noggrann studie av karaktärer gradvis överhanden i konstnärens verk och ersatte landskap. Trots detta glömmer den store impressionisten aldrig att återge det svårfångade solljuset för åskådaren, vilket gör bilden levande.

Placeringen av den kvinnliga karaktären på duken och den låga horisontlinjen kan betraktas som en särskild höjdpunkt i målningen, vilket ger den ett monumentalt utseende – en ganska ovanlig presentation för en fransk impressionist.

Serien Haystacks, 1890-1891

Betyg: 4.8

Monet ansåg att landskapet måste målas med full respekt för omgivningens färger, former och stämningar och ”detta leder till en personlig, naiv vision av den situation som du tittar på”. Monet var inte den förste målaren som satte landsbygdens landskap på duk, med en höstack som huvudmotiv. Van Gogh, Pissarro, Gauguin och andra stora målare hade redan målat om detta ämne.

Men Monet lyckades utmärka sig genom att använda två innovativa element i sitt arbete: hans sätt att se ljuset och att skapa en hel serie målningar. Tack vare målarens hårda arbete och talang kan vi i dag se hur olika samma motiv är beroende av tiden på dygnet och det skiftande ljuset.

Genom att skapa en serie målningar av höstackar försökte Monet, med sina egna ord, visa hur tiden går. Han klagade över att solen gick ner så snabbt på sommaren, när han målade, att konstnären inte kunde hålla jämna steg med den och att han varje gång han letade efter flyktiga förändringar i ljuset.

År 1888 gjorde Monet flera studier av vass i närheten av Giverny. Han skulle återkomma till detta tema ett år senare, i början av skörden. Han arbetade hårt i månader och målade fält som var täckta av sommarsolens sken, ljust rödröda på hösten och tätt insvepta av snö på vintern.

Sommaren 1890, när mästaren var nedsänkt i fallet ”Olympia”, ivrig att lösa in målningen från Manets änka och ge den till Louvren, var det molnigt, med frekventa regn. Konstnären var alltså tvungen att se till det i ateljén och försöka fantisera om hur färgglad och extraordinär himlen kunde vara… De femton målningarna i serien, som ställdes ut för första gången på Durand-Ruel, blev en stor framgång och såldes ut trots det höga priset.

Serien om katedralen i Rouen, 1892-1893

Betyg: 4.7

Ännu en serie målningar av den store impressionisten, men den här gången i centrum av handlingen – den magnifika gotiska katedralen i Rouen. Monet bodde i närheten av katedralen och målade från tidig morgon till sen kväll för en serie målningar. Konstnären fascinerades av ljusets effekt på den kalla stenen och överförde denna fantastiska kontrast till duken.

Monet fokuserade inte på byggnaden som helhet utan på en särskild del av den: två torn: Martintornet och Alban-tornet. I den impressionistiska synen såg katedralens element ut som en portal, och varje målning avbildade den sidan av byggnaden. Småningom applicerade konstnären fler och fler färger på duken i ett försök att framhäva vissa detaljer och lägga till sitt eget ljus.

Ofta gjordes arbetet snabbt, men Monet själv klagade över detta faktum och sa att det gjorde uppgiften svårare och att han hade svårt att överföra sin vision till duken. Ibland plågades målaren av mardrömmar där katedralen föll över honom eller bytte färg på ett förrädiskt sätt.

Besökarna fick inte se de franska impressionisternas mästerverk förrän 1895, och även om kritikerna var splittrade ändrade många konstnärer (inklusive utländska) uppfattning. Nästan omedelbart såldes åtta av målningarna i serien till olika samlare. Trots ett ganska högt pris (ca 15 000 franc) köptes resten av bilderna av flera andra impressionistfantaster.

Serien ”Vattenliljorna”, 1896-1926

Betyg: 4.7

Den enorma cykeln omfattar nästan 250 målningar, var och en i oljemålningsteknik. Vissa av bilderna kan med rätta kallas monumentala, inte bara på grund av sin imponerande storlek utan också på grund av konstnärens geniala färgkänsla. För att göra sitt arbete bekvämare byggde målaren en ny ateljé med speciell belysning.

Det är anmärkningsvärt att Monet blev så förtjust i arbetet och imponerad av resultatet att han inte ville avstå från någon av målningarna i sin serie ”Näckrosor”, som skapades under en period av nästan 30 års hårt arbete. Dessa målningar började dyka upp på museer och i privata samlingar först efter impressionisternas död.

Monet var stolt över det faktum att han kunde köpa sin egen herrgård (i Giverny) och där skapade han en frodig blomsterträdgård. Serien visar näckrosor som växer i konstnärens egen trädgård. Många av målningarna skapades förresten vid en tidpunkt då målaren led av grå starr. Men kanske hjälpte detta honom att avvika från sin traditionella uppfattning om färg och skapa ett otroligt spel av färger, ljus och skuggor.

Målningar från serien ”Water Lilies” finns på många museer i Paris, New York, Wales, Oregon osv. Auktionshuset Christie’s kallar ”Water Lilies” av Monet för ett av 1900-talets mest kända och betydelsefulla verk som hade ett stort inflytande på impressionistiska och modernistiska konstnärer över hela världen.

Serie om St Lazare Station, 1872-1877

Betyg: 4.6

År 1872 ansökte Claude Monet till Saint-Lazare om att han skulle måla en serie tavlor och att huvudmotivet skulle vara stationen. Konstnären ansåg att stationsbyggnaden var en av de mest imponerande vid den tiden och ville förmedla sina känslor om den tekniska utvecklingen genom att avlägsna sig från landskapsteman.

Som Monet målade från livet, gjorde personalen på järnvägsstationen allt för att Saint-Lazare skulle framstå i all sin prakt inför impressionisten: stationens område städades ständigt, även ånglokomotiv målades och maskinisterna försökte släppa in så mycket ånga som möjligt. Magnifik panorama grep bokstavligen det franska geniet, och resultatet skrevs så många som 12 målningar, som skildrade stationen inte bara i olika vinklar, utan också i olika väder och vid olika tider på dagen. Denna serie är den första i målarens karriär, som snart följs av ”Stacks” och ”Water Lilies”.

Serien ”St. Lazare Station”, som visades första gången 1877, blev en stor framgång. Den berömda franska författaren Émile Zola skulle senare säga att atmosfären i Monets målningar inspirerade honom att skriva sin roman ”Odjuret” om den franska järnvägen.

”Damerna i trädgården, 1866

Betyg: 4.5

Målningen ansågs mycket ovanlig för en samtida betraktare. Monet ville klargöra att han bara skulle måla när inspirationen och lusten drev honom, utan hänsyn till den akademiska traditionen. Den franske landskapsmålaren Gustave Courbet, som ofta besökte Monet på den tiden, slogs inte bara av författarens avsikt, utan också av målningens storlek. På grund av de enorma måtten (255×205 cm) var den otroligt besvärlig: konstnären var tvungen att sänka ner duken i en särskild grop med hjälp av en vinsch när han började måla den övre delen av målningen.

Impressionisten ville återge ljus- och skuggspel med största precision. Hans karaktärer fick en underordnad roll. Kvinnorna på duken ser till exempel stiliserade ut och deras ansikten är nästan omöjliga att se: en kvinna står halvt vänd, den andra med ryggen vänd, den tredje gömmer sig bakom en blombukett. Konstnären förmedlar härmed budskapet att det inte är personligheten, utan människans interaktion med omvärlden som är viktigast för henne.

Trots sin uppenbara traditionalism var målningen verkligen innovativ: många halvvändningar, klippta klädkanter – allt detta skulle ha varit omöjligt för en akademisk målare. Målningen ”Damerna i trädgården” skrevs under en svår ekonomisk period för Monet, så arbetet gick hårt. Han planerade att ställa ut just detta verk på Salon de Paris, en av de mest prestigefyllda konstutställningarna i Frankrike, men juryn avslog det. Men när Monet blev berömd köptes målningen ”Damerna i trädgården” av den franska regeringen för en enorm summa pengar – 200000 franc.

”Intryck. Den stigande solen”, 1872

Betyg: 4.5

När impressionismens grundare målade den här tavlan trodde han att det var ännu ett av hans verk som aldrig skulle säljas. Men det var i själva verket början på en ny riktning inom måleriet. År 1874 visades verket, tillsammans med verk av andra ”bröder i anden”, på en oberoende utställning. Men de unga talangernas insatser uppskattades inte av alla.

Efter att ha besökt utställningen skrev journalisten Louis Leroy en kritisk artikel med titeln Impressionisternas utställning, där han utmålade konstnärerna som löjliga och sa att sådana ”skapelser” gjorde de akademiska målarna galna och gav de då okända ungdomarna det stötande smeknamnet ”impressionister”. Han kunde då inte föreställa sig att konstnärer skulle anta detta namn, som skulle bli ett vanligt substantiv och bli en av världens mest kända konströrelser.

I ”Impression. Monet lade (som alltid) särskild vikt vid färgåtergivningen och använde ett minimum av färgtoner, men skapade ett otroligt levande och realistiskt landskap. Grundtonerna är blåaktiga: hela duken verkar ha en känsla av en kall, fuktig morgon.

Konstnären lyckades förmedla hamnens stämning mycket exakt: det är så här lokalbefolkningen såg hamnen – lite dyster med solens reflektioner på vattnet, med himlen som flyter ut i havet, där silhuetterna av fartygen är vagt synliga.

”Frukost på gräset, 1866

Betyg: 4.5

En underskattad målning med ett tragiskt öde som har blivit en sann symbol för sin tid. Han började arbeta på duken 1865, inspirerad av Edouard Manets ökända målning med samma namn, som var något lättsinnig. Men bortsett från en identisk titel och kanske ett skogslandskap har målningarna absolut ingenting gemensamt.

Bakom skapandet av en duk låg en verkligt titanisk ansträngning, eftersom målningen var enorm – 400×600 cm. Att arbeta med en så stor duk kräver mycket skicklighet och förmågan att känna av och korrekt forma kompositionen, färgerna, fördelningen av karaktärerna osv.

Konstnären började sitt arbete på en förvald plats i skogen i Fontainebleau. Han använde sin fru Camille och sin vän, konstnärskollegan Frederick Bazil, som modeller. Monet målade först i plein air, sedan målade han karaktärerna i ateljén, varefter han återigen gick ut med modeller för att göra skisser från livet. Efteråt, i sin ateljé, satte konstnären ihop alla element.

Tygduken föreställer en sval sommar- eller vårdag. En klarblå himmel som skymtar bland trädens täta, frodiga lövverk. Små solstrålar. I bakgrunden finns en grupp män och kvinnor som slappnar av, några pratar, några äter mat, andra ligger på gräset. En känsla av glädje, skogens friskhet, lätthet.

Monet skapade ursprungligen Frukost på gräset för att presentera det på Parissalongen, men han fick ont om tid och målade då Kvinnan i grön klänning, som fick kritikerkommentarer. Målaren, som befann sig i en svår ekonomisk situation, lämnade den oavslutade målningen som en deposition till sin hyresvärd och bestämde sig för att inte ta sig an stora saker som åt upp alla hans pengar och skapade svårigheter för honom.

Men hyresvärden förvarade mästerverket slarvigt, och en del av målningen har helt enkelt ruttnat bort efter den långa vistelsen i den fuktiga källaren. Sju år senare köpte Monet duken och delade den i tre delar och lämnade bara två kvar (den ena var helt oanvändbar). I dag anser kritiker att målningen är konstnärens debut i den då nya stilen, ett verkligt flaggskepp för den förestående revolutionen inom konsten.

”Parlamentets hus vid solnedgången, 1900-1901

Betyg: 4.5

År 1900 såg Paul Durand-Ruel, en orubblig anhängare av impressionismen, fram emot Claude Monets återkomst från den brittiska huvudstaden. Han skulle ta med sig de vyer av Thames Bridge och Houses of Parliament som han hade skapat under sin vistelse i London. Konstnären tog med sig verket tillbaka, men var missnöjd med skisserna, så han återvände ett år senare för att förfina målningarna, och ytterligare ett år senare.

Durand-Ruel fick inte den färdiga London-serien förrän 1904, men det var väl värt att vänta: en vecka senare såldes målningen The Houses of Parliament at Sunset för en ansenlig summa pengar. Målningen har sedan dess gått till många privata samlingar i Le Havre, Paris, New York och till och med Japan. År 2015 såldes duken för 40 miljoner euro. Dollars.

Under sin målarserie beklagade Monet sig över det instabila vädret i London: ”Vädret förändras ständigt på grund av moln och starka vindar… det gör mig galen.”. Naturens tillstånd och solens unika ögonblick skiftar i en enorm hastighet, men det Monet lyckades förmedla på duk är ovärderligt. Det som gör den här målningen särskilt fascinerande är den ovanliga, till och med djärva effekten – det ljusröda skenet som bryter fram genom de tjocka molnen.

”Waterloo Bridge i molnigt väder”, 1904

Betyg: 4.4

Ett annat mästerverk från Monets London-serie har också varit länge kvar på utställningar. Den här otroliga vyn av Waterloo Bridge köptes till exempel av en passionerad konstälskare, den ryske samlaren Mikhail Ryabushinsky. Han var 37 år vid tiden för revolutionen i det Svenska imperiet. Han gömde en del av samlingen, gav en del av den till Tretjakovgalleriet för förvaring och emigrerade sedan till Storbritannien. Målningen hamnade i galleriet hos de riktiga antikhandlarna i antikvärlden – Wildensteins. Målningen har sedan dess haft många ägare, varav många var exceptionella personligheter.

Claude Monet kom till den brittiska huvudstaden tillsammans med sin fru för att besöka sin son för första gången och visste direkt att han skulle komma tillbaka igen. Den store impressionisten blev imponerad av stadens färger och började med självförtroende måla det lokala landskapet. Han beundrade poesin på några av Londons mest poetiska platser, men vädret drev honom till vansinne och försvårade hans arbetsflöde enormt, samtidigt som det gjorde det otroligt spännande.

När Monet återvände från London tog han med sig hela åtta lådor med dukar (!) och inte ett enda har någonsin blivit färdigt. Konstnären tillbringade ytterligare flera år med att förfina målningarna, men lät inte någon av dem säljas. Det var först när alla målningar var färdiga som de kunde ses av de förvånade åskådarna, impressionismens kännare och kritiker.